Cómo decorar con cerámica artesanal: cinco ejemplos reales

Las grandes cadenas de decoración permiten resolver una casa con rapidez. Sus jarrones, lámparas y objetos auxiliares pueden funcionar perfectamente como piezas secundarias: completan una estantería, ayudan a introducir un color o llenan un espacio que todavía no sabemos cómo tratar.

El problema aparece cuando toda la decoración procede de los mismos catálogos. Podemos cambiar el sofá, el color de las paredes o la distribución, pero los objetos siguen siendo los mismos que se encuentran en miles de casas, hoteles y restaurantes.

Una pieza artesanal ocupa otro lugar. Tiene un autor con nombre y apellidos, un lugar de origen y un proceso que explica por qué presenta esa forma, esa textura o ese acabado. Incluso cuando el artesano trabaja un mismo modelo, el moldeado, el esmalte y la cocción producen variaciones que impiden que dos ejemplares sean completamente idénticos.

Por eso una pieza fabricada en serie puede acompañar, pero difícilmente tiene la misma capacidad para definir una habitación. Un ánfora que ha permanecido varios años bajo el Mediterráneo, una vasija creada en un taller ucraniano o un juego de té elaborado por un ceramista serbio introducen algo imposible de comprar por catálogo: la certeza de que ese objeto concreto no está repetido en cientos de interiores.

La pieza principal tampoco tiene que ser la más grande ni la más cara. Tiene que ser la que merezca una segunda mirada. El resto de la decoración puede ayudar a situarla, iluminarla y hacerla visible.

Partiendo de esta diferencia, hemos seleccionado cinco ejemplos reales para explicar cómo decorar con cerámica artesanal y cómo colocar cada pieza según su forma, su procedencia y su proceso de elaboración.

1. Un ánfora transformada durante años por el mar

En Carboneras, un pueblo pesquero de Almería situado junto al Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar, artesanos locales elaboran a mano reproducciones de antiguas ánforas mediterráneas.

Una vez terminadas, algunas de estas piezas se sumergen en el mar y permanecen allí durante varios años. En ese tiempo, la flora y la fauna marinas se adhieren de manera natural a la cerámica y transforman lentamente su superficie.

El acabado no se pinta ni se reproduce artificialmente. Depende del agua, del paso del tiempo y de los organismos que van colonizando cada pieza. Por eso no existen dos ánforas iguales.

El ánfora Gibraltar de Ánforas de Mar es un buen ejemplo. Su silueta remite a los recipientes utilizados durante siglos para transportar vino, aceite y otras mercancías por el Mediterráneo, mientras que su superficie es el resultado de un proceso natural desarrollado en la costa andaluza.

No es una antigüedad rescatada de un naufragio, sino una creación artesanal contemporánea que utiliza el mar como parte activa de su elaboración.

Cómo colocar un ánfora artesanal

Un ánfora de cierto tamaño funciona mejor cerca del suelo que sobre un mueble elevado. Puede colocarse:

• Junto a una librería o un aparador bajo.

• En el espacio que queda entre dos ventanas.

• Al final de un pasillo con buena luz natural.

• En un rincón amplio del salón.

• Cerca de una pared de piedra, cal, microcemento o pintura mate.

• Sobre su soporte, dejando libre el espacio que la rodea.

Conviene dejar suficiente altura sobre la pieza para poder observar su forma completa. Si se encierra entre muebles altos o se rodea de demasiados objetos, pierde buena parte de su presencia.

Tampoco hace falta acompañarla con conchas, redes, corales o cuadros de temática marinera. Esa decoración demasiado literal puede convertir una pieza extraordinaria en parte de una escenografía. El vínculo con el Mediterráneo ya se encuentra en la propia superficie del ánfora.

Una iluminación lateral suave permite apreciar mejor los relieves. Por la noche, una lámpara situada a cierta distancia puede proyectar pequeñas sombras y hacer visible todo lo que el mar ha ido depositando sobre la cerámica.

2. Cerámica contemporánea creada en Ucrania

Ucrania posee una importante tradición cerámica, pero muchos de sus creadores actuales no se limitan a reproducir formas populares. Utilizan su conocimiento de la arcilla, los esmaltes y la cocción para desarrollar un lenguaje contemporáneo y muy diferente del que encontramos en otros países europeos.

En un país asolado por la guerra, la continuidad de los talleres y de los oficios tradicionales adquiere inevitablemente otro significado. Mantener la actividad, seguir creando y conservar estos conocimientos es también una forma de preservar la cultura del país.

Sin embargo, estas piezas no deberían valorarse únicamente por el contexto en el que han sido realizadas. Son interesantes por sí mismas: por sus formas, sus acabados y su capacidad para combinar tradición técnica con un diseño actual.

Oleksandr Barabanov y Halyna Kanyuka crean cerámicas de volúmenes rotundos, superficies orgánicas y esmaltes profundos. Algunas de sus vasijas recuerdan a piedras, conchas u organismos marinos sin reproducirlos literalmente.

Su jarrón Moonjar negro parte de una forma redondeada y aparentemente sencilla. Sin embargo, su superficie oscura cambia según la iluminación y el punto desde el que se observa.

Cómo colocar una cerámica negra

La cerámica negra puede desaparecer visualmente cuando se coloca delante de muebles o paredes oscuras. Para apreciar mejor su volumen, puede situarse:

• Sobre madera clara o piedra natural.

• Delante de una pared blanca, arena o gris muy pálido.

• En una balda situada ligeramente por debajo de la altura de los ojos.

• Sobre una mesa auxiliar junto a un sofá de lino claro.

• En una consola estrecha, sin cuadros oscuros detrás.

La luz debe llegar preferentemente desde un lateral y no directamente desde arriba. Así aparecen los matices del esmalte y la pieza deja de percibirse como una silueta plana.

Tampoco es obligatorio utilizarla como florero. Algunas vasijas han sido creadas para contemplarse vacías y añadir un ramo puede ocultar precisamente aquello que las hace especiales.

3. Una cerámica blanca no tiene por qué ser una pieza neutra

El ceramista ucraniano Dmytro Yakub demuestra que una pieza blanca también puede tener una presencia muy marcada.

Su jarrón White Makyvka combina una silueta estilizada con un acabado blanco luminoso. Su interés no depende del color, sino de las proporciones, del modelado y de la manera en que la luz recorre la superficie.

Dmytro Yakub nació en la aldea ucraniana de Rusanivka y su trayectoria incluye tanto la cerámica como la escultura monumental. Esa experiencia se reconoce en unas obras que, aunque tengan dimensiones domésticas, están concebidas como pequeños volúmenes arquitectónicos.

Es una pieza que podría integrarse en un interior minimalista, contemporáneo, mediterráneo o rústico, pero no necesita quedar limitada por ninguna de estas etiquetas.

Cómo evitar que una cerámica blanca desaparezca en la habitación

Una pieza blanca colocada sobre un mueble blanco y delante de una pared blanca puede quedar completamente anulada. Para que destaque necesita algún tipo de contraste:

• Una pared verde oliva, azul grisáceo, terracota o color piedra.

• Una superficie de nogal, roble oscuro o hierro.

• Una bandeja de madera o una base de piedra.

• La proximidad de un cuadro con color.

• Una luz cálida que marque su volumen al anochecer.

También puede combinarse con un único elemento más bajo: un libro de arte, una caja antigua o una pequeña pieza de metal. No es necesario recurrir al habitual grupo de tres jarrones de diferentes tamaños.

Una cerámica de autor puede ocupar por sí sola un espacio reducido si la posición, el fondo y la iluminación están bien elegidos.

4. Juegos de té que no deberían permanecer escondidos

La cerámica artesanal no tiene que permanecer inmóvil ni reservarse para decorar una estantería. Algunos de los objetos más interesantes son aquellos que podemos utilizar.

Oleksandr Barabanov y Halyna Kanyuka crean también juegos de té de esmalte blanco rústico. Las pequeñas diferencias entre sus componentes, la textura del esmalte y las formas orgánicas hacen que el conjunto tenga interés incluso cuando no está en uso.

En Serbia encontramos otra interpretación de este tipo de cerámica. Radenko Adnadj, un artesano con una larga trayectoria, crea teteras, tazas y gaiwan inspirados en la cultura japonesa del té.

No se trata simplemente de copiar una estética japonesa. El interés está en interpretar sus proporciones, su sencillez y su relación con el acto de preparar y servir la bebida. Cada recipiente debe resultar agradable a la vista, pero también cómodo en las manos y útil en la mesa.

Frente a una vajilla industrial, en la que todas las piezas son idénticas, un juego realizado a mano conserva pequeñas diferencias de forma, superficie y color. No son defectos: son la consecuencia lógica de un trabajo que no depende de una línea de producción automatizada.

Cómo integrar un juego de té en la decoración diaria

En lugar de guardarlo después de cada uso, puede dejarse:

• Sobre una bandeja de madera en la cocina o el comedor.

• En una vitrina con un fondo que contraste.

• En una balda abierta, a una altura cómoda.

• Sobre una mesa auxiliar junto a una butaca de lectura.

• En un pequeño mueble destinado al café y al té.

La mejor composición suele ser también la más práctica: la tetera, dos tazas y un recipiente pequeño sobre una bandeja. No es necesario mostrar todas las piezas del conjunto a la vez.

Utilizar el juego con frecuencia también forma parte de su atractivo. Con el tiempo deja de ser un objeto que simplemente ocupa un lugar y empieza a asociarse con un momento concreto del día.

5. Cerámica andaluza contemporánea sin recurrir a los tópicos

La cerámica andaluza es mucho más amplia que los azulejos, la vajilla pintada o las referencias tradicionales que suelen asociarse con la región.

Artesanos actuales como Miguel Ángel López crean piezas escultóricas en las que el barro, la textura y la forma tienen más protagonismo que la decoración superficial.

Su jarrón de cerámica gris oscuro con textura orgánica se acerca más a una pequeña escultura que a un recipiente convencional.

El acabado irregular no intenta imitar el envejecimiento ni hacer pasar la pieza por una antigüedad. Forma parte del diseño desde el principio y permite que el jarrón cambie visualmente según la dirección y la intensidad de la luz.

Es un ejemplo de cómo un artesano puede trabajar desde Andalucía sin repetir los lenguajes decorativos más conocidos de la región. La tradición no siempre se mantiene reproduciendo los mismos motivos; también puede conservarse mediante el conocimiento del material y evolucionar hacia formas completamente nuevas.

Cómo colocar una cerámica con una superficie muy texturada

Las superficies con mucho relieve agradecen un entorno sencillo. Funcionan especialmente bien:

• Sobre una mesa o consola de líneas rectas.

• En una hornacina con iluminación lateral.

• Delante de una pared lisa y sin papel pintado.

• Sobre una consola de madera natural.

• Junto a un objeto de superficie pulida, como una pieza de vidrio o metal.

La combinación de acabados resulta más interesante que la repetición. Una cerámica rugosa junto a otros cinco objetos igualmente rústicos pierde buena parte de su fuerza. En cambio, colocada sobre una superficie lisa y precisa, su textura se aprecia de inmediato.

Antes de comprar una cerámica, conviene mirar algo más que el color

En las tiendas online es habitual buscar un jarrón que combine con el sofá, la alfombra o la pared. Sin embargo, al elegir una pieza artesanal conviene revisar también otros aspectos:

• Las medidas reales, incluida la anchura máxima.

• El peso y la estabilidad de la base.

• Si está concebida para contener agua o únicamente para uso decorativo.

• El nombre del creador o del taller.

• El lugar de fabricación.

• El proceso utilizado para conseguir el acabado.

• Si se trata de una pieza única o de una serie limitada.

• Las fotografías de detalle, no solo las imágenes ambientadas.

Estos datos ayudan a decidir dónde colocarla y permiten distinguir una obra artesanal de un producto industrial que simplemente imita las irregularidades del trabajo manual.

También conviene observar varias obras del mismo creador. Así podremos saber si nos interesa únicamente un objeto concreto o si reconocemos una manera de trabajar, unas proporciones o una forma de aplicar los esmaltes que nos gustaría seguir.

Una pieza principal que nadie puede repetir

No es necesario renunciar a los objetos fabricados en serie. Pueden resolver necesidades prácticas, completar una composición y actuar como fondo. La diferencia está en no pedirles que aporten aquello para lo que no fueron creados.

Una cerámica artesanal puede asumir el papel principal porque contiene decisiones, accidentes y variaciones que no se reproducen de manera idéntica. Cuando conocemos además el nombre de su autor, su procedencia y su proceso de elaboración, deja de ser simplemente un jarrón bonito y se convierte en una pieza reconocible.

Un ánfora transformada por el Mediterráneo, una vasija escultórica ucraniana, un juego de té serbio y un jarrón creado en Andalucía pueden convivir en una misma casa sin necesidad de parecerse.

Lo que los relaciona no es el color ni una tendencia decorativa. Es la existencia de un proceso reconocible y de una persona que ha tomado decisiones sobre la forma, la arcilla, el esmalte y la cocción.

Esa singularidad también modifica el espacio. La habitación ya no depende únicamente de un estilo —mediterráneo, contemporáneo, rústico o wabi-sabi—, sino de un objeto que no encontraremos colocado de la misma manera en otra casa.

Las piezas producidas en serie pueden completar una decoración. Una buena pieza artesanal puede conseguir que esa decoración sea realmente personal.

Puedes descubrir más ejemplos en nuestra selección de cerámica y esmalte artesanal.